Conclución

En mi opinión, la realización de este blog me ha favorecido en materia intelectual,  ya que pudo conocer cada vez más sobre el arte.

Con esta investigación pude conocer más sobre las vanguardias y profundicé mi conocimiento acerca de los movimientos que ya había escuchado nombrar y sobre otros que no tenía en cuenta.

Me llamo mucho la atención la importancia del contexto y la evolución de tecnologías y ciencias, ya que no sabía que estos tenían una gran influencia en las obras del artista. También me intereso la gran variedad de técnicas que se empleaban, ya que no conocía muchas de ellas.

Me gustaría destacar que hubo movimientos que me llamaron la atención y otros no tantos. Me agradó el pop art, el surrealismo y el arte abstracto.

Neoexpresionismo

El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.

Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.

El neoexpresionismo se inspira en el expresionismo alemán y sus exponentes, Emil Nolde, Max Beckmann, George Grosz, además de otros artistas con estilo altamente emotivo como James Ensor y Edvard Munch; igualmente se nutren del arte tradicional, especialmente el germánico: Durero, Bruegel, El Bosco, Rembrandt. De todas formas, al contrario que la transvanguardia italiana, los neoexpresionistas no rompen con el arte de su país inmediatamente anterior a ellos, aceptando como maestros grandes artistas de los setenta como, Joseph Beuys, Nam June Paiko Wolf Vostell.

Características:

- Retorno a las imágenes de tipo expresionista.

- Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.

- Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes.

- Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo.

- Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra.

- Ejecución de trazos amplios.

- Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).

- Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.).

- Temática amplia (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana.

- Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (Fetting), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk). 

"Cena en Desdre" de Georg Baselitz

Georg Baselitz (1938) es un pintor alemán que estudió en la anterior Alemania del Este, antes de trasladarse a lo que entonces era la República Federal de Alemania. El estilo de Baselitz se interpreta por los estadounidenses como neoexpresionista, pero desde una perspectiva europea, se considera más bien postmoderno.

Su obra puede ser vista, de hecho, como la típica voluntad de confrontación con la pintura, fuera de todas las categorías formales y de los valores expresivos tradicionales, tomando como base la intención de superar la irreducible contraposición de la pintura figurativa y la abstracta.

Una de sus obras más representativas fue "Cena en Desdre" realizada en 1983. Está realizado por óleo sobre tela.  En esta obra, mantiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resultado de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura".

Hiperrealismo

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. Es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.  A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía. 

El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena. En algunos caso se utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas. 

Se va de lo real a la fotografía y de la foto al cuadro, reafirmando dos veces lo real o, tal vez, distanciándose doblemente del objeto; no hay una mirada subjetiva sobre la realidad, puesto que las imágenes son frías.

El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina. 

Una disciplina de síntesis para la ejecución en la que intervienen los más modernos recursos infográficos junto a una superficial aplicación del color, por medio de veladuras y empastes y una destreza en el atrapamiento de la luz en el lienzo.

Cuándo apreciamos una buena obra hiperrealista, asistimos al más notable triunfo de la representación, debido a la máxima eficacia del oficio como modo de producción y método de apropiación de la realidad visible. 

Por tanto, los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico, que supera la "visión" del objetivo fotográfico.

 

“Terraza de Lucio “ de Antonio Lopez Garcia

Antonio lopez garcia es un pintor y artista español, estudio en la Academia de Bellas Artes de San Fernando donde coincidió con diversos artistas como Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio Muñoz, con los que conformó lo que se ha venido a llamar Escuela madrileña. Permaneció en la academia entre 1950 y 1955. En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que sólo conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. Comenzó a revalorizar la pintura clásica española, que tan bien conocía, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, especialmente Diego Velázquez.

Tras terminar los estudios realizó sus primeras exposiciones individuales, en 1957 y 1961 en Madrid, mientras trabajaba tanto en esta ciudad como en la localidad que le vio nacer.

Una de sus pinturas mas importantes es Terraza de Lucio, 1962-1990. Óleo sobre tabla. 172 x 207 cm. Fue iniciada hacia 1962 en el ático donde entonces vivían Lucio Muñoz y Amalia Avia, para celebrar la felicidad de aquella joven pareja, pero terminó siendo algo muy distinto. "El protagonista -dice Antonio- es ahora la mordedura del tiempo en las paredes, la grieta de la calle oscura, el muro de la terraza de cemento granulado que se viene encima hacia la izquierda, hasta poderlo tocar".

Op art

El op art es un movimiento pictórico que surge a finales de la década de 1950 en los Estados Unidos, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro, es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.

En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras. Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York. En el op-art se encuentra Víctor Vasarely: Triond, Supernova, Yaacov Agam, con sus cuadros en relieve, Doble metamorfosis III, Bridget Riley: Current, Jeffrey Steele: La volta, Richard Anuszkiewicz: Iridiscencia, Michael Kidner: Azul, verde, violeta y marrón. Estos Op-Art artistas Jesús-Rafael Soto, Carlos Cruz Diez,Youri Messen-Jaschin, Julio Le Parc, Zanis Waldheims.

Características técnicas: 

En lo que se refiere a las características claves del estilo podemos decir primero y principalmente, que el Op Art existe para idiotizar el ojo. Las composiciones Op crean un complejo de tensiones visuales en la mente del visionario, que da la sensación de ser una ilusión en movimiento. Por ejemplo, el cuadro de Bridget Riley (1977) titulado Dominance Portfolio nos da la sensación de que las olas empiezan a bailar por delante de nuestros ojos aunque sabemos que, como es comprensible, cualquier obra de Op Art es plana, estática y bidimensional. Los ojos empiezan a enviar al cerebro el mensaje de que aquello es visto como algo que oscila, parpadea, late y otros verbos que puedan emplearse para decir: “éste dibujo se está moviendo!”. 

Una segunda característica del estilo es que como se basa geométricamente en la natura, el Op Art es en la mayoría de las ocasiones, no representativo. 

En tercer lugar, los elementos empleados (color, líneas, y formas) son cuidadosamente empleados para encontrar el efecto máximo. 

Seguidamente, las técnicas que utiliza el Op Art son habitualmente la yuxtaposición del color (con matices cromáticos identificables) o acromático (negro, blanco o gris). 

Finalmente, en el Op Art a diferencia de otros estilos, los espacios positivos y negativos tienen la misma importancia. Op Art no puede ser creado sin ambos.

"Tlinko 22"

Víctor Vasarely (Hungría, 1908-1997). Es el creador del movimiento del Arte Óptico en Europa, muy conocido gracias a sus serigrafías con efectos ópticos. Vasarely inventó y difundió el Arte Óptico entorno a 1940 en París. En 1946. Combina colores y dos tipos de perspectiva para crear imágenes ambiguas y contradictorias.
Una de las obras de este artista que enmarca este movimiento es "Tlinko 22" .Fue elaborado en 1955, al verlo se persive un movimiento como en círculos provocado por la posición de cuadros y rombos en diferentes posiciones y el contraste de cuadros con negros rodeados por líneas blancas y una pequeña línea gris provoca dicho movimiento tan atrayente que nos hace dudar de lo que vemos.

Pop art

El arte pop fue un importante movimiento artístico surgido a finales de 1950 en Inglaterra que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kistch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. Pop art no es un término estilístico, sino un término genérico para fenómenos artísticos que tiene que ver de forma muy concreta con el estado de ánimo de una época. Establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de una sociedad.

Características:

·         Rechazo del Expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual.

·         Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.

·         Temática extraída de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: cómics, revistas, periódicos sensacionalistas, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo.

·         Ausencia del planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.

·         Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que las combina con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles.

·         Representación del carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva.

·         Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra: flores de plástico, botellas… en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (Neodadaísmo).

·         Preferencia por las referencias al status social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton).

·         Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes de tebeo de Lichtenstein).

·         Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático.

Técnicas:

Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los artistas como Andy Warhol (que hizo famosas en todo el mundo las latas de sopas Campbell). Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein mezclaron diferentes elementos y objetos volcándolos en texturas y colores, nunca antes usados, convirtiéndolos en verdaderas obras de artes.

Los representantes del Pop Art utilizaron diferentes recursos en la realización de sus obras que iban desde el silkscreen, el óleo, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva además de utilizar collages y fotografías, todas ellas cargadas de ironía e irreverencia frente a una sociedad cada vez más industrializada.

Incluyeron además esculturas, así como tiras de cómic, latas de sopa, cerveza o señales de tráfico. Los materiales como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado.

“Lata de sopa Campbell” de Andy Warhol

Andy Warhol (1928-1987), fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.
Una de las obras más reconocidas del artista fue "Latas de sopa Campbell". Es una obra de arte producida en 1962 y consiste en treinta y dos lienzos, cada uno con una pintura de una lata de sopa Campbell. Las pinturas individuales fueron realizadas con un proceso semimecanizado. El apoyo de Campbell's Soup Cans en temas de cultura popular ayudó al arte pop a instalarse como un movimiento artístico de trascendencia.
Al principio, la combinación del proceso semimecanizado, el estilo y el tema comercial causaron molestia, ya que el evidente comercialismo mundano representaba una afrenta directa a la técnica y filosofía del expresionismo abstracto. Esta controversia condujo a un gran debate acerca de la ética y los méritos que suponían tal trabajo. Los motivos de Warhol como artista fueron cuestionados, y lo continúan siendo hoy en día.

Surrealismo

El surrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Paris, Francia a partir del dadaísmo, en 1924, en torno a la personalidad del poeta André Bretón, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Uno de los hechos destacados para comprender al surrealismo como movimiento artístico, son los descubrimientos en el campo de la psicología impulsados por Freud Sigmund.

El surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomo del dadaísmo, la importancia del azar y ola rebeldía, pero rechazo su carácter negativo y destructivo. Posteriormente buscó inspiración  en el inconsciente, la imaginación, el método de la escritura y el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud.

Técnica y método surrealista:

·         La fotografía, la cinematografía y la fabricación de objetos

·         El collage y el ensamblaje de objetos incongruentes.

·         El forttage

·         Técnica de la pintura automática

·         Inspiración en el pensamiento oculto y prohibido, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica

·         Interesados por el arte de los pueblos primitivos, en el arte de los niños y de los dementes

·         Preferencias por los títulos largos, equívocos y misteriosos

·         Decalcomanía

·         Grattage

Imágenes de la pintura surrealista:

·         Formas abstractas o figurativas simbólicas que intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños

·         Animación de lo inanimado

·         Aislamiento de fragmentos anatómicos

·         Elementos incongruentes

·         Metamorfosis

·          Maquinas fantásticas

·         Relaciones entre desnudos y maquinarias

·         Evocación del caos

·         Representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías

·         Universos figurativos propios

"El gran masturbador" de Salvador Dalí

Uno de los más importantes autores del surrealismo es Salvador Dalí. Fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen  atribuir a la influenmcia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plas,ticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual condujo a numerosas colaboraciones con otros aristas audiovisuales.

“El gran masturbador” fue un cuadro pintado en 1929. Esta hecho mediante la técnica del oleo sobre lienzo. Este cuadro tiene las características de toda su pintura surrealista y posee una unidad equilibrada a pesar del gran número de elementos que presenta. Refleja el malestar del autor que temía perder la cordura. Tanto el titulo, como el motivo central no dejan dudas sobre las implicaciones sexuales del cuadro; el sexo era una de las obsesiones del pintor. Se abraza, donde ella se metamorfosea en una roca, recuerdo de los paseos que dieron por la playa.

Dadaismo

El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zurich. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió al rumano Tristan Tzara que llegaría a se el emblema del dadaismo. Una característica fundamental del dadaismo es la oposición al concepto de razón instaurado por el positivismo. El dadaismo se caracterizo por revelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgues y su arte. Su actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas  desde la poesía a la escritura pasando por la pintura o la música.
Para los miembros del dadísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al otro a través de los gestos y actos dadaistas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el dadaismo crea una especie de anti arte, es una provocación abierta al orden establecido.

El movimiento Dadá, en su contenido o temática, se caracterizó por:

- Protesta continua contra las convenciones de su época.

- Actitud de burla total y humor. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor.

- Medios de expresión irónico-satíricos, a través del gesto, el escándalo, la provocación.

- Poesías ilógicas o de difícil comprensión (El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos).

- Inclinación hacia lo dudoso, rebeldía, destrucción, terrorismo, muerte y nihilismo, lo fantasioso, etc.

- Promoción por el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, el caos, lo imperfecto, la intuición.

- Manifestaciones contra la belleza, la eternidad, las leyes, la inmovilidad del pensamiento, la pureza de los conceptos abstractos, lo universal, la razón, el sentido, la construcción del consciente.

- Negativo y en contra el modernismo, el expresionismo, cubismo, futurismo y abstraccionismo.

- Quieren volver a la infancia.

- Consideran más importante al acto creador que al producto creado.

En cuanto a la gráfica se caracterizó por:

- Renovación de la expresión mediante el empleo de materiales inusuales.

- Montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano presentándolos como objetos artísticos.

- Collage de diversos materiales (papeles, etiquetas, prospectos, diarios, telas, maderas, etc.).

- Fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y la provocación.

 

"Cabeza mecánica" de Raoul Hausman

Raoul Hausman (1886 - 1971) fue un artista y escritor austriaco. Ejerció un destacado papel como dadaísta creando collages experimentales, poesía sonora y realizando criticas en Alemania durante los años transcurridos entre las dos Guerras Mundiales. Fue uno de los creadores del Club Dadá en Berlín.

Esta escultura es considerada el trabajo más importante de Hausman. Está realizada a partir de una cabeza de maniquí de madera con objetos metálicos incrustados. Tanto por medio del nombre como la obra en sí, el autor quiere expresar como nuestra cabeza puede llegar a pensar como una máquina a partir de todos nuestros conocimientos y de lo que nos ha dado como sociedad; también consideramos que puede der una critica al hombre que se deja manejar por la misma sociedad como si fuera una máquina que se utiliza cuando se la necesite. En la parte superior además hay una especie de tubo conectado con la cabeza que podría pensarse que sirve para meter toda la información o los pensamientos que se le quiere agregar.

Abstracción (arte abstracto)

El arte abstracto nació en la segunda década del siglo XX. Se originó por la reacción en contra del impresionismo, a las circunstancias del imperialismo, las guerras, etc. y a la aparición de las doctrinas de Freud sobre la importancia del subconsciente. Este tipo de pintura que al principio fue muy criticada, se convirtió en uno de los más importantes fenómenos de la historia del arte.
Arte abstracto es un concepto general que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales, la abstracción acentúa  las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de los natural; rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.
Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración. Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en si misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.
El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y linea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.
Los principales pintores de este movimiento son: Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Mercedes Pardo, Vladamir Tatlin, Esteban Castillo, etc.


De Piet Mondrian

Piet Mondrian fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo Van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural.
El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionada a sus estudios espirituales y filosóficos. A partir de 1908, se interesó en el movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky a fines del siglo XIX. Blavatsky creyó que era posible lograr un conocimiento de la naturaleza más profundo que solo el proporcionado por los medios empíricos  y mucho del trabajo de Modrian del resto de su vida estuvo inspirado por la búsqueda de ese supuesto conocimiento esencial.
En efecto, al dedicarse a la abstracción  geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta "retícula cósmica" que él intenta representar con el no-color blanco atravesado pr una trama de líneas de no-color negro y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectángulos) de los colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudió las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas y todo lo formal.
Busca un "arte puro", despojado de lo particular, y dice que `El propósito no es crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande`. Su radicalismo es tal que, cuando Doesburg buscó variaciones a sus estructuras formales a partir de 1924, inclinando ls rectángulos, Mondrian abandonó De Stijl.

Futurismo

El futurismo es un movimiento literario y artistico que surge en Italia en el primer decenio del siglo XX. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anti clasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la des humanización  Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la des humanización han alcanzado las máximas metas.

Las características principales son:

• Exaltación de la originalidad
• Estructura del movimiento: tiempo velocidad, energía, fuerza, etc.
• Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerras, etc.
• Utilización  de formas y colores para generar ritmos.
• Colores resplandecientes
• Transparencias
• Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de un caleidoscopio o una película

En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajan también artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini.

"El jinete rojo" de Carlo Carrá

Carlo Carrá fue un pintor italiano, uno de los líderes del movimiento futurista junto con Marinetti. Además de sus numerosas pinturas, escribió diversos libros relacionados con el arte. 

A los 12 años de marchó de su casa para trabajar como decorador de murales. Despúes pasó algunos años en Londres donde mantuvo contacto con algunos Exiliados anarquistas italianos. Regresó a Milán en 1901. En 1906 entró a la Academia di Brera. Y en 1910 inició una época pictórica considerada la más popular del artista.

Análisis de la obra:

"El jinete rojo" presenta una singular atracción hacia el caballo, coloreado con un rojo intenso para que resalte contra el fondo claro, mientras las líneas dispuestas como una aureola en torno al animal vislumbran la idea de la velocidad y la fuerza, tanto que se siente la vibración de la atmósfera circundante. El cuerpo del jinete aparece nítido, pero a la vez casi desmaterializado, tensado al máximo para reafirmar la potencia del corcel.

Cubismo

"Las señoritas de Avignon" de Pablo Picasso

Fauvismo

"La raya verde" de Henri Matisse

Expresionismo

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios
del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes
plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía. Su primera manifestación fue en el
terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho
que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas
“vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un
movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos
artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual los expresionistas
defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la expresión de los sentimientos
y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La
cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en
las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del
ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.
El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas.
Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y
de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma
a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No
importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.
Algunos de los principales pintores expresionistas son: Munch, Nolde, Heckel, Müller,
Schmidt-Rottulff, Kandinsky, Klee, Kokoschka. Algunos arquitectos: Bruno Taut, Walter
Gropius,Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hermann Finsterlin, Fritz Höger, Hans
Scharoun y Rudolf Steiner.


"El grito" de Edvard Munch

Análisis de la obra:
Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que puede
simbolizar a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación
existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El grito está
considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista,
constituyendo una imagen de icono cultural

El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una
persona que mira hacia el espectador chillando su miedo mientras se apoya en la barandilla de
un puente que no tiene fin. La figura se tapa los oídos y da la espalda al sol, a la naturaleza, a
la gente, quizá porque todo parece estar en su contra. Esto nos esta hablando de su dramática
soledad, porque en esa postura no puede ver la silueta de una iglesia en la lejanía, los barcos,
aumentando así la sensación de total aislamiento. Completamente alejada de la realidad,
sucumbe ante el horror que viene de dentro. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian
dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. El cielo parece fluido y
arremolinado, igual que el resto del fondo

Neo impresionismo

El neo impresionismo es un movimiento artístico de fines del siglo XIX, englobando el conjunto de tendencias pictóricas que profundizan en algunos rasgos de los pintores impresionistas como son los divisionistas y los puntllistas.

La palabra neo impresionista se empleó por primera vez en 1887 por el crítico de arte francés Félix Fénéon para designar esta corriente artística liderada por Paul Signac y Georges Seraut, cuyas raíces hay que buscarlas en el impresionismo.

los cuadros neo impresionistas responden a la individualidad de los planteamientos de cada autor. las sensaciones tristes o jubilosas, estado de ánimo apacible o agitado se expresan a través de la correlación de líneas, colores y tonos. Se descomponen los colores.

Las características principales del neo impresionismo son:

• Preocupación por el volumen
• Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles)
• Preocupación por el orden y la claridad.
• Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición.
• Aplicación firme del principio de la mezcla óptica: los tonos se dividen o descomponen el los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal
• Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros se pintan mediante pequeñas pinceladas o puntos de colores puros para así lograr la mezcla óptica.
• Predilección por asuntos como puertos, orillas de ríos y escenas circenses.

     
     "Palacio de Avignon" de Paul Signac

Paul Signac nació en parís el 11 de noviembre de 1863, en el seno de una familia pudiente, donde su padre tenía un negocio en guarnicionería. Sus estudios de bachillerato se ven interrumpidos por una temprana vocación artística, alentada por la contemplación delas obras de los impresionistas.

En los primeros años del siglo XX,  Signac se dedico a pintar una y otra vez edificios que se alzaban a orillas del agua. Trabajaba con formas simplificadas y colores dominantes y fascinantes. Este plasmó el “Palacio de Avignon” en dos versiones. El cuadro que aquí se reproduce es del año 1900 y presenta la monumental arquitectura a la luz matinal. En cambio, para su segundo cuadro, escogió la misma vista pero en la puesta del sol.

Paul Signac seguía la divisa “la simplificación de los elementos le conduce a emplear mas color”. Por eso, redujo el edificio a la silueta y a unos pocos elementos de la estructura interior. Aún puede reconocerse el edificio con la iglesia al lado, la vegetación en la orilla y el puente. El agua y el cielo llegan a confundirse; y el palacio brillando a la luz de la mañana, se alza vigoroso, como en una visión atemporal, desde la vegetación, aún sumida en sombras.

Postimpresionismo

Postimpresionismo es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictoricos de de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. El nombre fue dado por el critico Robert Fry. en este periodo fue la colonización de África y Asia, las cuales traen conflictos con Gran Bretaña y Alemania.
los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron sus obras en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.
Los principales artistas de este movimiento son Paul Cézame, Paul Gauguin, Georges Seurat, Paul Signac, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent Van Gogh, Ferdinand Hodler y Edvard Munch.

    "Visión tras el sermón",  Paul Gauguin, 1888

Eugème Henri Paul Gauguin (1848 -1903) fue un pintor postimpresionista. Jefe de la filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe y en Oceanía, volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista predominante en la cultura occidental.
Su obra está considerada  entre las más importantes de los pintores franceses del siglo XIX y mantuvo su influjo más tiempo que los impresionistas, contribuyendo decisivamente al arte moderno del siglo XX. Sus experimentos sobre el color y, en general, el conjunto de sus obras  influyeron en la evolución de la pintura, tanto en Picasso como en  el expresionismo alemán, y tuvieron especial impacto sobre el auvismo.

La visión tras el sermón,  también llamado La lucha de Jacob con el ángel está realizado en óleo sobre lienzo. Esta obra la pintó el autor durante una segunda estancia en Pont-Aven, obra en la que pretende representar, según él mismo señala la simplicidad rústica y supersticiosa. Es una obra característica de la escuela de Pont-Aven.

La visión tras el sermón contiene los elementos esenciales de la poética de Gauguin. El artista quería dar una forma al sentimiento de la gente, que creía ver la lucha de Jacob con el ángel a la salida de la iglesia. Un grupo de campesinas ve la escena de la lucha, que Gauguin traza de un dibujo del gran maestro japonés Hokusai, adaptando a un luchador de sumo a la iconografía occidental del ángel. La influencia de la estampa japonesa se evidencia asimismo en la rama del manzano. Este árbol, situado en diagonal separa simbólicamente la esfera de la realidad de aquella de la imaginación.