Cubismo

"Las señoritas de Avignon" de Pablo Picasso

Fauvismo

"La raya verde" de Henri Matisse

Expresionismo

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios
del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes
plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía. Su primera manifestación fue en el
terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho
que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas
“vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un
movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos
artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual los expresionistas
defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la expresión de los sentimientos
y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La
cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en
las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del
ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.
El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas.
Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y
de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma
a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No
importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.
Algunos de los principales pintores expresionistas son: Munch, Nolde, Heckel, Müller,
Schmidt-Rottulff, Kandinsky, Klee, Kokoschka. Algunos arquitectos: Bruno Taut, Walter
Gropius,Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hermann Finsterlin, Fritz Höger, Hans
Scharoun y Rudolf Steiner.


"El grito" de Edvard Munch

Análisis de la obra:
Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que puede
simbolizar a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación
existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El grito está
considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista,
constituyendo una imagen de icono cultural

El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una
persona que mira hacia el espectador chillando su miedo mientras se apoya en la barandilla de
un puente que no tiene fin. La figura se tapa los oídos y da la espalda al sol, a la naturaleza, a
la gente, quizá porque todo parece estar en su contra. Esto nos esta hablando de su dramática
soledad, porque en esa postura no puede ver la silueta de una iglesia en la lejanía, los barcos,
aumentando así la sensación de total aislamiento. Completamente alejada de la realidad,
sucumbe ante el horror que viene de dentro. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian
dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. El cielo parece fluido y
arremolinado, igual que el resto del fondo

Neo impresionismo

El neo impresionismo es un movimiento artístico de fines del siglo XIX, englobando el conjunto de tendencias pictóricas que profundizan en algunos rasgos de los pintores impresionistas como son los divisionistas y los puntllistas.

La palabra neo impresionista se empleó por primera vez en 1887 por el crítico de arte francés Félix Fénéon para designar esta corriente artística liderada por Paul Signac y Georges Seraut, cuyas raíces hay que buscarlas en el impresionismo.

los cuadros neo impresionistas responden a la individualidad de los planteamientos de cada autor. las sensaciones tristes o jubilosas, estado de ánimo apacible o agitado se expresan a través de la correlación de líneas, colores y tonos. Se descomponen los colores.

Las características principales del neo impresionismo son:

• Preocupación por el volumen
• Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles)
• Preocupación por el orden y la claridad.
• Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición.
• Aplicación firme del principio de la mezcla óptica: los tonos se dividen o descomponen el los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal
• Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros se pintan mediante pequeñas pinceladas o puntos de colores puros para así lograr la mezcla óptica.
• Predilección por asuntos como puertos, orillas de ríos y escenas circenses.

     
     "Palacio de Avignon" de Paul Signac

Paul Signac nació en parís el 11 de noviembre de 1863, en el seno de una familia pudiente, donde su padre tenía un negocio en guarnicionería. Sus estudios de bachillerato se ven interrumpidos por una temprana vocación artística, alentada por la contemplación delas obras de los impresionistas.

En los primeros años del siglo XX,  Signac se dedico a pintar una y otra vez edificios que se alzaban a orillas del agua. Trabajaba con formas simplificadas y colores dominantes y fascinantes. Este plasmó el “Palacio de Avignon” en dos versiones. El cuadro que aquí se reproduce es del año 1900 y presenta la monumental arquitectura a la luz matinal. En cambio, para su segundo cuadro, escogió la misma vista pero en la puesta del sol.

Paul Signac seguía la divisa “la simplificación de los elementos le conduce a emplear mas color”. Por eso, redujo el edificio a la silueta y a unos pocos elementos de la estructura interior. Aún puede reconocerse el edificio con la iglesia al lado, la vegetación en la orilla y el puente. El agua y el cielo llegan a confundirse; y el palacio brillando a la luz de la mañana, se alza vigoroso, como en una visión atemporal, desde la vegetación, aún sumida en sombras.

Postimpresionismo

Postimpresionismo es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictoricos de de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. El nombre fue dado por el critico Robert Fry. en este periodo fue la colonización de África y Asia, las cuales traen conflictos con Gran Bretaña y Alemania.
los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron sus obras en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.
Los principales artistas de este movimiento son Paul Cézame, Paul Gauguin, Georges Seurat, Paul Signac, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent Van Gogh, Ferdinand Hodler y Edvard Munch.

    "Visión tras el sermón",  Paul Gauguin, 1888

Eugème Henri Paul Gauguin (1848 -1903) fue un pintor postimpresionista. Jefe de la filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe y en Oceanía, volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista predominante en la cultura occidental.
Su obra está considerada  entre las más importantes de los pintores franceses del siglo XIX y mantuvo su influjo más tiempo que los impresionistas, contribuyendo decisivamente al arte moderno del siglo XX. Sus experimentos sobre el color y, en general, el conjunto de sus obras  influyeron en la evolución de la pintura, tanto en Picasso como en  el expresionismo alemán, y tuvieron especial impacto sobre el auvismo.

La visión tras el sermón,  también llamado La lucha de Jacob con el ángel está realizado en óleo sobre lienzo. Esta obra la pintó el autor durante una segunda estancia en Pont-Aven, obra en la que pretende representar, según él mismo señala la simplicidad rústica y supersticiosa. Es una obra característica de la escuela de Pont-Aven.

La visión tras el sermón contiene los elementos esenciales de la poética de Gauguin. El artista quería dar una forma al sentimiento de la gente, que creía ver la lucha de Jacob con el ángel a la salida de la iglesia. Un grupo de campesinas ve la escena de la lucha, que Gauguin traza de un dibujo del gran maestro japonés Hokusai, adaptando a un luchador de sumo a la iconografía occidental del ángel. La influencia de la estampa japonesa se evidencia asimismo en la rama del manzano. Este árbol, situado en diagonal separa simbólicamente la esfera de la realidad de aquella de la imaginación.

Impresionismo

El impresionismo es un movimiento pictórico surgido en Paris, Francia, a mediados del siglo XIX. Pero el movimiento floreció en 1874, el 15 de abril de ese año un grupo de artistas se unió para hacer una exposición en los salones del fotógrafo, Nadar. Una de las obras allí presentes, de Monet "Impresión : sol naciente" hecha en 1872, fue la que bautizo esta corriente artística como impresionismo.
El impresionismo se caracteriza por intentar captar la luz y el instante sin importar la identidad de aquello que proyectaba. Es decir, se pintaba el momento de la luz y su incidencia, mas haya de las formas. La coloración de las sombras también era importante, así como la repetición de los temas con cambios en la iluminación.
Los artistas impresionistas no tenían un motivo principal en sus pinturas, sino que pintaban lo que les parecía placentero, o costumbres familiares. Muy diferente a las costumbres de la época en la cual el arte era idealista y con sofisticación en los cuadros. Se consideraba que el impresionismo era una guerra contra la belleza.
Los artistas impresionistas son : Claude Monet, Édouard Manet, (dos de los mas incidentes) Camille Pissarro, Henri Rouart.

"Impresión: sol naciente" de Monet

Claude Monet su artista como ya abran apreciado fue uno de los fundadores del movimiento impresionista, y solía hacer pinturas realistas hasta la década 1860, pero al final de esta se inclino por hacer pinturas impresionistas, lo cual afecto seriamente su situación económica. En 1874 formo parte de la exposición en el salón de los rechazados con esta obra. A partir de 1890 empezó a hacer pinturas en "series" las cuales eran pinturas del mismo motivo pero con diferente iluminación. Murió en 1926 a los 86 años de edad luego de haberse recuperado de una ceguera que tuvo durante 1921 hasta 1923

Análisis de la obra:

Esta obra pintada en olio, sobre lienzo del artista Claude Monet, fechada en el año 1872, fue la que le dio el nombre al movimiento impresionista.

 La obra  es un amanecer en el puerto de Le havre, Francia, en el cual el sol esta tratando de salir de entre las nubes, creando unos magníficos reflejos en el ambiente, da una sensación atmosférica de humedad, en la cual la vaporización del agua atenúa los colores y hace que las formas sean difusas. Esta hecha con pinceladas rápidas directas y empastadas, dándole a la imagen una estética particular.

Realismo

El realismo es la denominación de un estilo o movimiento pictórico que se dio en Francia a mediados del siglo XIX. La definitiva implantación burguesa como clase dominante la hace pasar de revolucionaria a conservadora. las causas de 1789 quedaron superadas por el disfrute del éxito económico y de los placeres de la vida. El papel del artista pasa a ser despertar la adormecida conciencia social  sobre los terribles problemas sociales de la industrialización: trabajo infantil y femenino, jornadas laborales interminables, depauperación, condiciones insalubres de las ciudades industriales, desarraigo de la emigración rural, etc.

Los pintores realistas franceses compartieron una estética basada en la representación directa de la realidad: defienden una pintura sin argumento, una capturación simple de la realidad, en la cual lo fundamental es la forma en que se representa la imagen, y no su desarrollo narrativo. Los realistas intentaban plasmar objetivamente la realidad, querían representar el mundo del momento de una manera verídica, objetiva e imparcial. No podían idealizar. La única fuente de inspiración en su arte debía ser la realidad, no podían admitir ningún tipo de belleza preconcebida. La única belleza válida debía ser la realidad, y ellos, como artistas, debían reproducir esa realidad sin embellecerla. Cada ser u objeto tiene su belleza particular, que es la que debían descubrir. Estos pintores realistas, a través de sus cuadros, denunciaban el trabajo infantil y de mujeres y la carga horaria. Pintaban a los obreros, campesinos, paisajes y escenas de la vida cotidiana.

Los artistas más reconocidos de este movimiento son Honoré Daumier, Jean Francois Millet y Jules Bretón. Sin embargo, el principal representante de esta vanguardia es Gustavo Courbet.

"El taller del pintor" de Gustavo Courbet

Gustavo Courbet (1819 - 1877) fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, y comprometido activista democrático, republicano, cercano al socialismo revolucionario. Nació en un pueblo próximo a Besancon, en el Doubs alemán, cuyo paisaje refleja en sus cuadros. En 1845 expuso algunas de sus obras en el Palacio de las Artes de la Exposición Universal de París, pero al ver el rechazo del jurado hacia algunos de sus cuadros decidió inaugurar una exposición individual ubicadas en las proximidades del campo Marte, a la que bautizó con el nombre de "Pabellón del Realismo". Entre las obras que exhibió en dicho lugar cabe mencionar "El taller del pintor", en el que retrataba a todas las personas que habían ejercido cierta influencia en su vida.

Análisis de la obra:

Las figuras de las pinturas son representaciones alegóricas de varias influencias en la vida artística de Courbet. A la izquierda están figuras humanas de todos los niveles de la sociedad. En el centro, Courbet, trabaja en un paisaje, mientras se aparta de una modelo desnuda que es un símbolo de la tradición artística de la academia. A la derecha están amigos y asociados de Courbet, entre los que se encuentran los escritores George Sand y Charles Baudelaire, Champfleury y Pierre Joseph Proundhon.

Con "El taller del pintor", Courbet pone en entredicho la jerarquía de los géneros a través de una suerte de manifiesto personal, eleva la escena de género al rango de la pintura histórica, de la que, por otra parte, utiliza el formato. Courbet mezcla en este cuadro todas las características tradicionales: el paisaje, la escena de género, el desnudo, el retrato de grupo y el bodegón.

Dominan en la composición los colores ocres. La luz entra por la derecha a través de una ventana: esta luz es muy difusa y toma una coloración amarilla. El cuadro sigue siendo, no obstante, bastante oscuro, lo que proviene seguramente del hecho de que Courbet tenía la costumbre de pintar sus telas de negro parair después poco a poco hacia los tonos claros. El cuadro del centro, Courbet, su modelo y el niño son los elementos que están mejor iluminados y destacan en el lienzo.

Gustavo Couret pinta con la materia, a la espátula, de manera iracunda. Pueden verse los golpes de pincel. Despreciaba el acabado. El mismo prefería parecer torpe o nogliguente y verse acusado por sus errores de perspectiva y de anatomía, la tiesura y aspereza de sus figuras, antes que confiarse a fórmulas.